新古典主义画家安格尔的代表作《泉》，是其登峰造极的代表作。《泉》是画家安格尔衰老的产物，她的美姿却超过了所有女子，她集中了她们各自的美于一身，形象富有生气和更理想化了。
安格尔信奉理想化的生活，以至于拒绝接受一切逊于其追求的现实。
——温迪嬷嬷
《泉》（局部）
女神，一直是古今艺术家最为钟爱表现题材。
先有米洛斯的维纳斯，虽为断臂却被奉为永恒的美；文艺复兴时期，达芬奇、拉斐尔创造了无数圣母形象，为女神增添了人性的光辉；同时期的提香和日后巴洛克时期的鲁本斯，借用神话故事里的女神形象，用溢满画面的肉欲，营造了视觉上的感官刺激。
椅中圣母
而在19世纪法国新古典主义画家安格尔的画中，那个高举着水罐的赤身裸体的无暇女神，成为大多数人对美的启蒙。
安格尔的这幅油画，名为《泉》。这位艺术家毕生追求和表现理想中的美，尤其擅长绘制裸体女子，《泉》可算是他登峰造极的代表作。
安格尔从1820年开始构思创作，历时36年，终于在其76岁高龄时，完成了这幅只有一个人物和看上去构图也非常简单的作品。
《泉》是画家安格尔衰老的产物，她的美姿却超过了所有女子，她集中了她们各自的美于一身，形象富有生气和更理想化了。
安格尔对这幅画甚是满意，因为这象征着安格尔的艺术冲到了顶端。安格尔极度喜爱古希腊罗马的艺术，遵守古典法则，同时还喜好展示来自东方的异国风情。
《泉》被视为安格尔理想美的巅峰之作
艺术史学家把他与当时的浪漫主义艺术划分开，将其作品归为新古典主义。
安格尔一直想要效仿意大利文艺复兴大师们，画出一幅完美的维纳斯，但由于不满足与前人的“维纳斯”样式雷同，便放弃了创作。直到1820年，安格尔第一次逗留意大利佛罗伦萨时，再次潜心思考，练习绘画。
前人的“维纳斯”：提香《乌尔比诺的维纳斯》
最终，他画了一个裸身的女子，伸出双手托起水罐，水罐中还流出泉水，既寓意少女的纯洁，又“流淌”出一种和谐流畅的韵律。
寓意纯洁的水
画中女子，虽赤身裸体却让人感受不到丝毫情色意味，反而因为完美的身体比例和疏离清冷的眼神，给人以崇敬之感，我们称之“静穆的美”。
背景饰有岩石和树叶，脚下的淡黄色花草颇有装饰趣味。
背景的树叶
岩石和淡黄色花草
据说，当时安格尔这幅画作还没有完成，就已经有五个法国贵族冲到他跟前，抢购这幅作品。最后被一个叫杜夏特尔的伯爵收藏了，并于1878年捐给了卢浮宫，后成为奥赛博物馆的镇馆之宝。
虽然从整体造型上看，这幅画作非常单纯，就是一个正面站立的裸身女孩，带有明显的古希腊雕塑韵味，并且在内容上，主体人物占据了画面的2/3，除此之外，再无其他。
古希腊雕塑《米洛的维纳斯》卢浮宫
但其实画面暗藏玄机。这个女孩双手向上举起一个水罐，而且水罐里的泉水正在流淌；画中人物的小腹微微凸起，主要就是为了明确身体的重心在画面居中位置，这与双手托举的姿势配合在一起，给人一种更加舒坦的感觉。
她的造型从线条上看，给人以轻快灵动之感；身体呈现出的扭曲行为，就像水波里的曲线，与水罐中流淌出来的水柱形成呼应，让这个姑娘更具活力。
从色彩上看，艺术家采用新古典主义画家常用的暖色调子，且大部分都是暗暗的黄色，而且作品里面的特点是阴柔宁静，给人的感觉就是舒缓轻柔、淡雅精致，创造出一种典雅的气氛。
《泉》中女子的站姿
写实的美？自然的美？还是形式的美！
长久以来，安格尔反复探索完美的艺术形式，视拉斐尔为典范，以温文典雅为理想，迷醉于希腊雕刻。
在他的美学主张中，强调以永恒美和自然为基础，但他心目中的自然是感性的、理想的、非现实的、无内容的纯形式美，这也是安格尔作品的重要特征。
《泉》手的局部
艺术界流传着这样一个故事，会更有利于我们去理解什么是安格尔所追求的美。
有画家让模特摆出和《泉》中女子一模一样的姿势，拿着一样的水罐，最后却发现绕过头顶的右臂根本够不着水罐。这说明安格尔为了创造美，有意加长了画面人物的右臂。
同样的创作还发生在安格尔的另一幅作品《大宫女》中。评论家德克罗雷特曾做出精确的计算，画中宫女的脊背上多出了三节脊椎骨。
大宫女
当《大宫女》遭到学院派的严厉批评时，安格尔的学生迪瓦尔为老师辩护道：“须知，正是这样拉长了腰身造成的柔美，能立即抓住观众；假如比例绝对准确，能否像现在这样吸引人，就很难说了。”
这种分析是有道理的，因为在安格尔看来，即使是造型严谨的古典主义传统，在形式美的前提下，也没有什么不能改变其初衷的，即一切首先得符合视觉美的习惯。
克拉克也评价了这幅画的价值：“实际上，那些关于她的素描是迄今为止最美的女性裸像的研究图，表现了安格尔探寻她奇特姿式时的一种思考和长期的信念。”
让·古戎《仙女》
关于《泉》
《泉》被视为新古典主义代表画作；
作品是安格尔追求和表现理想美的典范；
被视为美术史上描写女性人体的巅峰之作；
作品表现了清高绝俗和庄严肃穆的美。